STILL LIFE Filipa Valladares
Existe na expressão Still Life uma contradição intrínseca. Still refere-se a tudo o que está parado, sem movimento, ruído ou acção, que está fixo e que permanece, referindo-se no limite à morte. Por outro lado life refere-se ao estado, propriedade ou qualidade do que está vivo, à vitalidade e ao tempo da vida. Apesar destas duas expressões serem aparentemente o oposto uma da outra, elas coexistem desde há séculos, na expressão inglesa Still life, anunciando-a como uma Vida Parada, fixa. Já a expressão Natureza Morta (adoptada por diversas línguas latinas), mata à partida a natureza, e em contraponto, a versão alemã Stilleben, refere-se a uma Natureza Silenciosa.
Diz-se de uma imagem que é retirada de um filme ser um still, um momento parado do mesmo. Esta qualidade de parar e fixar é intrínseca à fotografia enquanto processo e à forma como gera nas suas imagens, uma paragem do tempo.
É neste limbo entre still e life, entre esta paragem silenciosa e a vida, que podemos incluir as fotografias desta exposição. Não sendo obrigatoriamente naturezas mortas, são imagens fixas no tempo, captadas num momento que já passou, mas ainda relativas à vida que continua.
Catarina Botelho (Lisboa, 1981), apresenta nesta segunda exposição individual, três séries de trabalhos que se reúnem sob o título de Dias Úteis.
Na série s/título (dias úteis) as suas imagens representam pessoas que surgem sozinhas, dentro de um espaço onde participam em tarefas tão comuns como dormir, tomar banho, ler, preparar uma refeição, ou fumar. A autora é parte integrante desta situação, está lá. Mas entre a fotógrafa e o fotografado, o olhar não pode estar presente, pois perturba, invade. Não existe um olhar sobre o outro, naquele momento são apenas um, numa partilha de uma acção. No seu caso, vida e trabalho estão juntos e são inseparáveis, o privado e o público funcionam em paralelo, pois nem o eu, nem o trabalho existem sem o outro. Esse é o seu processo de trabalho e apesar de ser parte integrante desse momento, não o altera, apenas o enquadra e regista. É um trabalho sóbrio, sem truques, nem encenações. Nada aqui é construído, não documenta, nem retrata, as pessoas apenas estão e são. Há uma tranquilidade no tempo destas imagens, a vida parece estar em suspensão, na informalidade da atitude destes corpos. E mesmo nos olhares que evitam cruzar-se com o nosso, há uma poesia nos gestos e nos pormenores retratados.
As casas são também uma presença constante nos trabalhos de Catarina Botelho, é no seu interior que praticamente tudo acontece. Elas acolhem as pessoas e os objectos, e só pontualmente há outros espaços como cafés, hotéis ou cenas de exterior, mas quase sempre como uma extensão da casa. A casa é o lugar de convivência, onde permanecemos, é o espaço vivido diariamente.
Apesar das suas imagens continuarem na sua maioria a representar pessoas,surge agora também uma aproximação particular aos objectos. Eles sempre estiveram lá, no plano de fundo, mas agora autonomizam-se ganhando um espaço próprio nalgumas imagens. Há ainda outros objectos como mesas, camas ou sofás, que criam horizontes estáveis de relação com os corpos que com eles convivem, ou aos quais se abandonam.
Fox Talbot assinalou ainda no séc. XIX, a especial capacidade da câmara para registar os “estragos do mundo”, referindo-se ao que ocorre a edifícios e monumentos. Desta forma a fotografia sempre comentou a perda, a mudança e a destruição de objectos ou pessoas, pois perdura no tempo, para além do que revela.
A Natureza Morta é normalmente descrita como um género que representa objectos inanimados, sejam eles naturais ou construídos, tradicionalmente objectos ligados à vida das cozinhas ou de uso em interior doméstico. Há associado às naturezas mortas, um processo de desgaste e desaparecimento, que segue o ritmo lento da existência material. Também os objectos se transformam, os naturais apodrecem e os construídos vão-se transformando pelo desgaste material e pelo uso que lhes é dado. Podemos identificar ao longo do séc. XX, uma série deobjectos que pelos vestígios da degradação causada na sua relação com o homem,se foram associando às naturezas mortas. É nesta tradição de objectos “contemporâneos” que algumas imagens de Catarina Botelho se inserem, desde o quadro clássico de alimentos e material de cozinha sobre a mesa, até uma almofada “amassada”. Incluem-se nesta categoria, por também eles mostrarem a passagem do tempo, e essa erosão lenta que causamos em quase tudo o que tocamos. Estas imagens descrevem-nos numa quietude que lhes é inerente.
Na série Modo Funcionário de Viver, vemos em cada imagem, uma almofada sobre uma cama encostada à parede, em variações de branco, num enquadramento que não nos dá mais informação ou contexto. Há um silêncio nestas imagens, que homenageia a solidão. Já não é a ausência de um corpo que sobressai, mas o próprio objecto que ganha uma nova presença física, não apenas como almofada, mas também pela sua corporalidade transformada a cada manhã, sob uma luz lateral, que varia nos diferentes dias. Um objecto privado é aqui tornado público e ganha para além do seu contexto de uso pessoal um peso quase escultórico. Podemos intuir pela repetição nestas sete fotografias, uma sequência temporal diária, da rotina dia/noite, ao longo de uma semana.
Termo de identidade e residência, é uma série em livro, que apresenta um conjunto de auto-retratos. Imagens feitas de uma forma sistemática, como se de provas de vida se tratassem. Da mesma forma que os seus modelos nunca nos olham, também estes auto-retratos, apesar de frontais, não nos revelam o seu olhar. Nestas imagens feitas ao espelho, em espaços aparentemente domésticos, é a câmara que nos olha de frente. Composições centradas, em que a figura aparece de pé ou sentada, segurando a câmara abaixo do nível dos olhos, numa frontalidade que se mede com o corpo, mas não com o rosto. Retratos que não pretendem definir uma identidade, apenas registar a existência de quem está ali. Há uma tensão nestas imagens que perturba pela negação do olhar, a expectativa de uma revelação, que não se dá.
A exposição desenvolve-se ao longo de três pisos, em várias divisões diferentes, obrigando o espectador a fazer um percurso através de um espaço desocupado de um prédio pombalino. Nestas imagens a luz entra por onde pode, sejam janelas ou lâmpadas, sol ou electricidade, e vai banhando os objectos e as pessoas em diferentes tons de aproximação e calor que regem também a montagem da exposição, num paralelismo com a iluminação existente no espaço.
É neste diálogo entre silêncio e vida, que se unem estas três séries. No facto de os objectos ali estarem como memória, fazendo referência às pessoas, às casas e às vivências que os foram transformando. Imagens, que nos remetem para os dias de partilha e convivência quotidiana – Dias Úteis.
STILL LIFE Filipa Valladares
The term Still life contains an intrinsic contradiction. “Still” describes that which is without motion, sound or action, which is fixed and remains so, amounting ultimately to a description of death. On the other hand, “life” indicates the state, property or quality of what is alive, the vitality and duration of life. Though apparently opposites, these two words have been coexisting for centuries in the English expression Still life, that is to say, a motionless, fixed life. A variation of that term, which can be found in several Latin languages, such as “Natureza Morta” (Portuguese) or “Nature Morte” (French), can be literally translated as “Dead Nature”, and thus kills nature from the start, while a kind of counterpoint to it can be found in the German version of the term: Stilleben, that is to say, “Silent Nature”.
A frame taken from a film is called a “still”, a fixed moment in a sequence. This quality of stopping and immobilising is intrinsic to photography, both as a process and as a description of the way it makes time stand still through its images.
It is in this limbo between “still” and “life”, between this silent halt and life, that the photographs in this exhibition belong. Though not necessarily still lives, they are pictures frozen in time, captured in a moment already gone, but still relative to life that goes on.
Catarina Botelho (Lisbon
The photographs in untitled (dias úteis) [useful days] depict people alone in a space, where they engage in such commonplace activities as sleeping, taking a bath, reading, cooking a meal or smoking. The artist is an integral part of the situation: she is there. Yet, between the photographer and the photographed, the eye must not intrude, for it disturbs and invades. This is not a view of the other; in that moment they are only one, sharing an action. Here, life and work are inseparably joined and the private and public spheres are parallel to each other, for neither the “I” nor the work can exist without the other. Such is this artist’s approach, which, in spite of being an integral part of that moment, does not change it, simply limiting itself to framing and recording it. Hers is a sober work, which does not resort to tricks or any kind of staging. Nothing here is made up, she neither documents nor portrays: people are simply here, being what they are. There is tranquillity in the time of these images: life seems to be suspended in the informal attitudes of these bodies. And even though the photographed gazes avoid our eye, the depicted gestures and details have their own poetry.
Houses, too, are a constant presence in Catarina Botelho’s works; it is inside these domestic spaces that practically everything happens. It is they that usually contain the people and objects, a task they once in a while share with other spaces, such as cafés, hotels and exterior scenes, which however nearly always act as an extension of the house. The house is the place where we socialise, where we stay longer, a space we live in from day to day.
Though most of her images depict people, some attention is now being lavished on objects. They have always been there, in the background, but now they become autonomous, achieving their own space in certain pictures. Other objects, such as tables, beds and sofas, generate stable relational spheres with the bodies that use them.
Already in the 19th century, Fox Talbot had noticed the camera’s ability to document the damage time inflicts on buildings and monuments. Thus, photography has always commented on the loss, change and destruction of objects and people, since it can outlive what it depicts.
The Still Life is usually described as a genre that depicts natural and artificial inanimate objects which are traditionally connected to the kitchen or to the domestic space in general. Still lives are associated to a process of wearing-out and disappearance, which follows the slow cadence of material existence. Objects also change: the natural ones rot away, while the artificial ones are changed by the material wear and tear, by the use they are put to. Throughout the 20th century, several objects have become associated with Still Lives, via the traces of the wear and tear human use entails. Some of the pictures by Catarina Botelho belong to that tradition of “contemporary” objects, ranging from a classic composition of foodstuffs and kitchen paraphernalia on a table to a crumpled pillow. They belong in that category because they display the passage of time, along with the slow erosion we bring to nearly everything we touch. These pictures describe us by means of their inherent stillness.
Each image in Modo Funcionário de Viver [Functional Way
As for Termo de identidade e residência [Term of Identity and Residence], it is a series in book form, comprising a set of self-portraits. These pictures were taken systematically, as if they were proofs of life. In the same way her models never look at us, these self-portraits, too, although frontal, never reveal her gaze to us. In these pictures taken in front of the mirror, in seemingly domestic spaces, it is the camera that faces us. These are centred compositions, in which the figure stands or sits, holding the camera below eye level, in a frontality measured in terms of the body, not the face. Portraits that do not aim at defining an identity, concerned only with recording the presence of who is there. There is a tension in these images, which disturbs through the negation of the gaze and the frustrated prospect of a revelation.
The Dias Úteis [Useful Days] exhibition is displayed across various rooms in three different levels, leading the viewer to walk through the uninhabited space of a Pombaline building. In these pictures, light comes in through whatever available means there are, be they windows or lamps, the sun or electricity, bathing objects and people in different degrees of closeness and warmth, which also guide the exhibition’s setting-up, in accordance with the lighting of each room.
It is this dialogue between silence and life that unites these three series, along with the fact that the objects are there as memories, evoking the people, houses and lives that changed them. Images that remind us of everyday sharing and socialising – “Useful Days”.
